La semejanza disfrazada en diferencia

La arquitectura contemporánea es, sin duda alguna, la rama de la arquitectura que tiene más reconocimiento globalmente. Dos arquitectos con gran reconocimiento lo son Frank Gehry y Rafael Moneo. Ambos lograron darle vuelta a lo que era conocido como arquitectura, con sus nuevas perspectivas y diferentes percepciones del espacio para el diseño. Por un lado, las creaciones de Gehry eran conocidas por su atrevido uso de formas poco convencionales. Y por otro lado, Moneo opta por el uso del arte minimalista y la limpieza y nitidez en sus obras.

Frank Gehry es uno de los pocos arquitectos que ha recibido tanto crítica como halagos por parte del público. Presentando ideas que sobrepasan los límites entre el arte y la arquitectura, entrelazando estructuras con dinamismo e interiores sorprendentes basados en sus creaciones anteriores. Podemos ver el proceso tan innovador y grandioso de este gran arquitecto, que incluye representaciones llenas de expresión sobre las maravillas arquitectónicas más importantes de Gehry esparcidas alrededor del mundo. Algunos se atreverían a llamar a Gehry como el responsable de la nueva imagen que tiene la arquitectura, mientras vemos cómo evoluciona su obra, desde sus principios hasta la gran notoriedad que tiene en la escena arquitectónica de hoy en día.

Rafael Moneo logra de una manera exquisita mezclar su trabajo como arquitecto con su pasión por enseñar. Su enfoque también se encuentra en la importancia de la limpieza y exactitud en los diseños que desarrolla. Inspirado en las décadas de los 70’s y los 80’s Rafael Moneo ha logrado una gran aceptación por parte del público, por sus grandes creaciones importantes para la cultura. Mediante el uso de lo natural en sus obras logra crear un gran impacto en la sociedad moderna.

Al contrastar la obra de ambos artistas podemos notar una aparente similitud entre ellos. Ambos arquitectos son ramas paralelas de lo que se considera la arquitectura contemporánea. Notamos la gran importancia y relevancia de sus obras que duran hasta la actualidad. Ambos arquitectos logran tener su propio enfoque, aunque de una manera muy diferente. Finalmente, vemos dos grandes arquitectos que lograron ser reconocidos a pesar de sus diferentes aproximaciones a la hora de crear sus magníficas obras.

Referencias:

Isado, J. (s. f.). gehry-moneo refs — 3121-4213. 3121-4213. Recuperado 2021, de http://www.isado.net/-enlaces-1

Sokol, D., & Mafi, N. (2018, 27 noviembre). Frank Gehry Buildings and Architecture. Architectural Digest. Recuperado 2021, de https://www.architecturaldigest.com/gallery/best-of-frank-gehry-slideshow

El pabellón de Barcelona y el espacio moderno

            Mies Van Der Rohe diseñó el Pabellón Alemán para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 Este pabellón fue considerado por muchos como el logro arquitectónico más importante del siglo 20 a pesar de que fue desmontado meses después de su construcción y fue reconstruido en 1986. El proyecto proporciona una nueva visión lógica del espacio arquitectónico a través del uso integrado y geométrico del vidrio, el acero cromado y varios tipos de piedra. Luis Fernández Galiano, arquitecto y conferenciante, narra en esta presentación el camino del arquitecto alemán.

            Van Der Rohe usa el entendimiento de la arquitectura como espectáculo. Huye de la visión convencional, de la simetría. Utiliza la percepción del espacio arquitectónico a su favor y crea impresionantes composiciones. Nos muestra un espacio diluido en su totalidad, un espacio que se disuelve. Van Der Rohe muestra espacios que coexisten en una comunicación mutua. Mientras crea una experiencia que permite recorrer la construcción libremente, haciendo que las personas se desenvuelvan totalmente en la inmensidad de la gran composición que ha creado.

            La riqueza y sensualidad de los materiales hacen especial al edificio. Es una abstracción que muestra una total calidad táctil. Esto hace que lo que lo cubre el edificio sean objetos de una reflexión arquitectónica distinta. Podemos ver cómo se segrega el pilar del muro, cómo se entiende como algo sin relación, algo separado. Vemos la separación, cómo son solo unas pantallas las que guían la circulación de la gente. Se hace entender con materiales de extraordinaria belleza. La combinación de materiales, los sillones, son todos elementos que forman una excelente impresión.

            El arquitecto Van Der Rohe añade representación por medio de las superficies. Sugiriendo la presencia de su país de origen a través del uso de elementos abstractos, une la tradición y la modernidad. El uso del espacio y la libre fluidez de este es un elemento muy característico de Van Der Rohe, aunque esto en sí no haya nacido con él. A través de sus obras Van Der Rohe nos muestra que se puede construir un espacio moderno dentro de un espacio neutro. Nos señala la importancia de que la organización no lo es todo, aunque tiene importancia, es necesario incluir ciertos complementos para poder crear una buena composición.

‌Referencias:

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La gran obra de Le Corbusier

           La gran obra de Le Corbusier fue creada utilizando una gran variedad de técnicas y de sistemas de proyectar, incluyendo algunos de los cuales él mismo diseñó. Sin embargo, no dejó de utilizar la tradición clásica y antigua. De igual forma, modificó la composición por elementos de una manera moderna y sustituyó el vocabulario clásico por el racionalista. Le Corbusier conocía del tema de viviendas familiares, e incluso realizó diferentes bosquejos parecidos a sus villas. Se podría decir que Le Corbusier tuvo un gran impacto en lo que es loa arquitectura de hoy en día.

Le Corbusier utilizó el método de la sobreposición de estratos. Un método tal vez un poco riesgoso, ya que no muchos arquitectos lo utilizaban. Método cual permite la idea de crear espacios al aire libre, que a su vez añade a la experiencia humana mediante la interacción entre la naturaleza y el ser humano. Este método también permite una gran diversidad, ya que brinda el espacio para el uso de diferentes formas y configuraciones dentro de un edificio.

Otro punto de gran importancia en la obra de Le Corbusier es el uso de múltiples métodos al mismo tiempo. Le Corbusier fue un arquitecto consciente y bien educado, sabía qué se puede combinar y qué se debía utilizar por sí mismo. Esta mezcla supone un avance extraordinario en la arquitectura, creando una mayor diversidad en los estilos disponibles para utilizar en la modernidad arquitectónica. Le Corbusier enfoca su obra en el funcionalismo, exponenciando los sistemas, mejorándolos y creando nuevos límites para futuros arquitectos.

La obra de Le Corbusier, sin duda alguna, añadió un valor significativo a la historia de la arquitectura. Mediante el uso de diferentes métodos Le Corbusier logró darse un nombre a sí mismo, logró crear reconocimiento hacia él. Integró la diversidad en sus creaciones, mejorando así la experiencia sensorial que como humanos tanto anhelamos. Logró avanzar la historia de la arquitectura en maneras nunca vistas. Le Corbusier fue un gran arquitecto, educado y consciente de las decisiones que tomaba. Le Corbusier sabía lo que hacía.

‌Referencias:

(2021). Editorialgg.com. https://editorialgg.com/media/catalog/product/cache/1/image/9df78eab33525d08d6e5fb8d27136e95/f/e/fe51de61d469e92cabb2664b6c0de8dc.jpg

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El uso de la abstracción

            Durante mucho tiempo, se deseó que el arte se representara en su estado natural. Sin embargo, hace aproximadamente un siglo los artistas dejaron de hacerlo, fue entonces cuando tomaron una nueva dirección. Una dirección en la que la realidad no importaba tanto, una dirección que era impactante, una dirección que mucha gente decía que el arte no debería tomar. Junto con la revolución industrial en el siglo 19, la vida en Europa y en las Américas tomó un cambio dramático. De igual manera, las representaciones de esa época tomaron dicho camino. Los artistas estaban enfocados en representar las cosas de una manera no-natural, esto mediante el uso de diferentes medios. Dejándose guiar por la subjetividad individual, por las interpretaciones de lo que cada individuo podía llegar a apreciar.

Mediante el uso de lo abstracto los artistas pueden ir más allá de lo que se ve y acercarse cada vez más hacia los sentimientos de una persona. Esto lo logran usando figuras geométricas, fragmentando imágenes, creando múltiples perspectivas. Por medio de la estilización, la simplificación, el aplanamiento de imágenes, los artistas logran crear nuevos paisajes, nuevas obras que se alejan de la simplicidad día a día. Esto permite crear una sensación distinta en cada individuo, mostrándole objetos que ven diariamente de una manera totalmente diferente y compleja. Lo abstracto permite conocer y acercarse hacia la mente a una persona de una manera no convencional.

El uso de este medio también representa un cierto tipo de diversidad. Los artistas pueden utilizar sus mentes para crear espacios totalmente inimaginables, ya sea usando diferentes colores, diferentes patrones, diferentes texturas, cualquier cosa realmente. Le permite al artista establecer un espacio seguro en el que pueda crear sin ninguna regla preestablecida. Este medio les permite a los artistas ser ellos mismos y expresarse de la manera que encuentren más conveniente, sin espacio para sentirse juzgados.

Cuando a un artista se le da el espacio para crear libremente este puede llegar a hacer cosas absolutamente impresionantes. El espacio para la subjetividad, y la libertad que se brinda con ella permite crear conexiones, aunque un artista ni siquiera lo experimente. Lo importante es la relación que tiene un observador con una obra, todos los sentimientos que son transmitidos por ella y hacia ella. El uso de medios no convencionales realmente puede llevar a la creación de experiencias muy enriquecedoras y llenas de emociones, no tan solo para el artista, sino que también para el observador.

Referencias:

https://www.facebook.com/pbs. (2016, December 22). The Case for Abstraction. PBS.org; PBS.org. https://www.pbs.org/video/art-assignment-abstraction/

https://www.facebook.com/pbs. (2018, February 15). The Case for Jackson Pollock. PBS.org; PBS.org. https://www.pbs.org/video/the-case-for-jackson-pollock-7gsm6n/

‌(2021). Ytimg.com. https://i.ytimg.com/vi/96hl5J47c3k/maxresdefault.jpg

La invención de lo clásico: Palladio

           El renacimiento trajo consigo un gran deseo de construir un mundo ideal. Este movimiento tiene el objetivo de querer establecer una nueva visión en la mente de los grandes pensadores que vivieron estos tiempos. Llevando consigo numerosos mitos, y estableciendo nuevas utopías y mundos perfectos. Se construyen nuevas de crear arte, mirándolo desde un punto matemático, casi perfecto, lleno de reglas. La colonización de las Américas ha resultado en una reinvención de lo que la civilización romana ya había proporcionado a las vidas renacentistas.

Bramante se distinguía por su capacidad de sintetizar y de observar. Las formas geométricas adquieren significado y se envuelven en nuestra cultura, forman parte de ella. Parte de lo que permite el renacimiento es que se pueden apreciar las ruinas romanas y que se puedan medir los diferentes relieves en dichas estructuras, permitiendo así la observación de las relaciones proporcionales y creando una gran importancia alrededor de ellas. Palladio aprovecha esto y lo desarrolla aún más. Palladio usa la simetría y potencia el espacio público. Creando un contraste entre lo medieval y lo renacentista en un mismo edificio, mostrando dos mundos diferentes hechos uno. Permitiendo el paso a una nueva era.

Un aspecto importante que se destacó en el renacimiento fue cuando se comenzó a ver diferentes formas de arte como un juego intelectual. Desde ese punto es que se remarca la capacidad de darse cuenta de los detalles en los creadores de esta época. Como vivo ejemplo tenemos el fuerte énfasis en la centralidad y en la geometría. Se juega mucho con los “simulacros”, es decir, se juega con la representación, la simbología y el entendimiento del material. Se ve un enfoque más en lo ornamental que en lo funcional.

En Venecia se busca evocar la perfección. Edificios en ladrillo con capas de yeso que aparentan solidez. El uso de diferentes estilos, de diferentes órdenes, y cada uno de ellos con su propio solape. Palladio demuestra algo sumamente moderno con esta reinvención del arte. La manera en que él concibe reusar el vocabulario clásico rompe con ese vocabulario preestablecido. Palladio realmente toma una visión dada y logra ejecutarla de una manera impresionante, añadiendo más y más cosas, construyendo un mundo de ficción y haciéndolo una realidad. Al visitar la mente de Palladio podemos, sin duda alguna, notar la evolución del pensamiento humano.

‌Referencias:

(2021). Italyscapes.com. https://www.italyscapes.com/wp-content/uploads/2019/12/3621_basilica-palladiana-1.jpg

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La invención de lo clásico: Bramante

             Es de conocimiento general que el renacimiento llega a nuestro lado del mundo con la colonización. A mediados del siglo 15 surge la idea de querer crear un mundo ideal. Este movimiento llega con la misión y con los actos de querer fundar una nueva visión del mundo, conllevando muchos mitos, creando utopías y mundos ideales. Con el estilo de esta época se crean nuevas fachadas. Como resultado de la colonización de las Américas, se da una reinvención de lo que ya había sido dado por el mundo romano. Este movimiento tenía como propósito recrear lo ya inventado, hacerlo mejor.

            Durante este tiempo hay dos visiones del arte ocurriendo al mismo tiempo. Una visión medieval en la que no se recreaba la realidad, se establecía prioridad por tamaño y no por perspectiva. Y la otra, representando el espacio tal y como es, una visión más relacionada a cómo se ven las cosas. Hay un cambio de mentalidad y se busca la perfección en la Tierra y no en el cielo. Es decir, se busca más el placer y disfrute humano, esto podemos verlo de manera ejemplificada en la construcción de edificios proporcionados y altamente decorados.

Entre las ideas renacentistas se encuentra esta de lograr la perfección a través de la matemática, específicamente desde la geometría. Un ejemplo de esto son los capiteles “incrustados” en el patio del Convento de Santa María de la Gracia en Milán, uno de los proyectos emblemáticos de Bramante. Se buscaba transmitir significado a través de la creación de diferentes obras. La arquitectura es una gran parte de este gesto cultural.

Podemos decir que el renacimiento trajo un nuevo mundo al que ya existía. Fue bajo este nuevo mundo en el que se exploraron nuevos límites, y asimismo ocurrió un cambio en la perspectiva de muchos. Este movimiento trajo consigo un proceso de codificación a la hora de la planificación estructural. Se creó toda una mezcla entre lo que se sabía hacer y lo que se empezó a inventar tomando el movimiento como base. Mediante la representación “perfecta” el renacimiento trajo diferentes ideas que lograron un cambio en la perspectiva grupal de la sociedad de aquel tiempo, que aún se ve reflejada hoy en día.

‌Referencias:

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Adentrados en el proceso de rehabilitación

             Con una extensa trayectoria profesional y con grandes premios, tales como el Henry Club, el arquitecto Jorge Rigau ha dedicado su firma arquitectónica a proyectos de nuevas facturas de espacios públicos y a la realización de restauraciones de proyectos ya existentes. Dentro de estas restauraciones se encuentran el Teatro Oliver de Arecibo, la Aduana del Gobierno Federal en Mayagüez, la Plaza Colón, la Plaza de Diego y la entrada del antiguo cementerio de la ciudad capital. Ha desarrollado múltiples edificios de vivienda pública y ha restaurado estaciones de medio de transporte como la del tren urbano. Actualmente ha estado trabajando en tres rehabilitaciones en el municipio de Guayama, estas siendo el antiguo teatro Calimano, la Casa del Rey y el Centro de Bellas Artes Arturo Porrata Doria. Recientemente, el también profesor, Jorge Rigau, completó la restauración de la Iglesia San José, ubicada en el Viejo San Juan.

La iglesia San José, es la segunda parroquia más antigua que se encuentra en el continente americano. Era un edificio con una significante historia ya establecida para el país, por lo tanto, conllevó mucho esfuerzo su restauración. El arquitecto menciona que su rehabilitación fue un proyecto en el cual participaron muchas personas. Además, dice que es un proceso que toma tiempo completar, teniendo una duración de ocho años, esto sin incluir las investigaciones previas que se llevaron a cabo para la producción de su nuevo diseño. El diseñador no solo depende de lo que su equipo investiga, sino que este debe hacer su propia investigación para así poder tomar una dirección. Al uno trasportarse hacia la época en la que se construyó tal edificio, se puede tener un mejor enfoque del objetivo que se quiere lograr.

Como arquitectos debemos tener presente la importancia que tiene la trascendencia en nuestros edificios. Es muy importante “ir más allá” y reinterpretar las diferentes visiones que tiene cada persona, para así poder crear una experiencia agradable. Debemos plantearnos la pregunta de cómo es que el público va a entender un espacio. Se les debe brindar una historia, una narrativa que sea capaz de cumplir con todas sus dudas. Rigau también insinúa lo fundamental que tiene preservar el significado histórico de cualquier estructura. Asimismo, estableció la importancia de averiguar lo que el creador original pretendía lograr, y cómo debemos buscar sus objetivos para poder añadir al valor de dicha estructura.

El paso del tiempo no debe ser un factor determinante para dejar los edificios tal y como están en el presente. Siempre se les pueden hacer cambios que mejoren la experiencia del cliente, llevando a cabo diferentes procesos. Esto no quiere decir que se deba demoler la estructura y hacerla nueva con una perspectiva diferente. Sino que es muy importante mantener el valor de cada estructura, mediante la historia y la referenciación. Se debe indagar en lo que el autor original quería lograr, se deben buscar los objetivos para así poder completarlos utilizando los recursos de hoy en día en nuestro favor.

‌Referencias:

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